CHAGALL, en el MUSEO THYSSEN BORNEMISZA y FUNDACIÓN CAJA MADRID

Después de un primer intento fallido (estuve invitado a un “pase privado”, pero ese mismo día la vida me llevó fuera de Madrid) he conseguido visitar las dos sedes de CHAGALL: una exposición de primerísima. Me ha entusiasmado.

Conocía, por supuesto, la obra de CHAGALL, pero nunca la había leído tan claramente (dentro de lo complejo que es leer a CHAGALL, claro!), nunca la había valorado como lo hago ahora. Recorriendo las salas del THYSSEN y de la CASA DE LAS ALHAJAS se entiende estupendamente la evolución de CHAGALL, un CHAGALL que parece cubista, o fauvista, o incluso orfista, que en ocasiones nos parece surrealista o simbolista, a veces picassiano … pero que nunca es del todo cubista, ni fauvé, ni orfista, ni surrealista ni simbolista ni picassiano: es CHAGALL, con una personalidad propia, única. Como único es su universo iconográfico, lleno de símbolos que se repiten una y otra vez: el violín, el buey (¿o es una vaca con cuernos? ¿o un carnero?), el gallo, la mano con el ramo de flores, la cúpula de la iglesia, el rollo de la torá, la novia, los amantes, el reloj. Unos cuadros llenos de vida, llenos de color, llenos de maestría y calidad técnica, llenos de tradición y religiosidad y música; unos grabados –y sus preparaciones- sensacionales (las Fábulas de Lafontaine: qué espectáculo); una escultura que para mi ha sido novedosa, y que también tiene tanto interés.

Una obra, en definitiva, llena de … poesía: después de ver CHAGALL creo que poético es el adjetivo que mejor define a MARC CHAGALL.

Que nadie se pierda esta exposición.

LA MONA LISA DEL MUSEO DEL PRADO

Siempre he pensado que la GIOCONDA es una obra sobrevalorada. Es magnífica, sin duda, como lo son cualquiera de las obras de LEONARDO, pero esa pasión que levanta en los visitantes del LOUVRE me parece absolutamente postiza, pasión inducida por motivos extra-artísticos y novelas/películas de medio pelo, que el merchandising del museo ha sabido aprovechar estupendamente. Por parte del LOUVRE no me parece mal, pero por parte del respetable … Cuando uno está allí (había escrito siempre que he estado allí, pero la verdad es que sólo he estado dos veces en el LOUVRE) es imposible ver el cuadro: no puedes acercarte, y la masa de gente sacando fotografías es como la marabunta cuando ruge!

Sea como sea, ahora tenemos en el PRADO nuestra MONA LISA, la GIOCONDA española, la de aquí … y eso tiene su encanto (aunque sea fundamentalmente un encanto mediático: ya antes estaba en el museo y muchos no tenía ni idea). Los nuevos descubrimientos tienen, segurísimo, un enorme interés para historiadores y estudiosos; yo, que no soy ni lo uno ni lo otro, no sé valorarlo del todo: novedades aparte, no me parece que el cuadro sea el no-va-más. Pero no quería dejar pasar la ocasión de visitar a nuestra GIOCONDA restaurada antes de que viaje a París a reencontrarse con su gemela, porque de nuevo –ya lo decía al comentar EL VINO DE LA FIESTA DE SAN MARTÍN- me atrae enormemente pensar en el proceso de restauración, en ese ir re-descubriendo un tesoro (o tesorito, por lo menos) a medida que se van retirando capas de repintes y porquería: debe ser fascinante.

CABECERA DE FEBRERO DE 2012: JASPER JOHNS ABRE LA PUERTA AL POP ART

Durante el mes de febrero de 2012 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de DIANA (TRAGET), de JASPER JOHNS. Óleo y collage sobre lienzo pintado en 1958, mide 92 x 92 cm y forma parte de la colección del artista.

ARCO 2012, TODAVÍA ALGÚN COMENTARIO MÁS (YA ESTÁ, YA LO VI: ES UN CUADRADO NEGRO …)

Con motivo de la entrada de ayer, me han dicho: xG, te has pasado (y no, no lo ha dicho el mismo que comentó lo del vídeo de los niños).

Parece que eso de … mamarrachada de periodismo facilón, pensado para llamar la atención de doñas y viejecitos, de todos aquellos que por formación, por falta de cultura y por estructura mental esclerótica jamás podrán entender nada que se haya hecho más allá del año 1900 … o lo de … una simpleza, una burla al trabajo de muchos y una manera de demostrar que a veces el periodismo –algunos periodistas- no se sabe bien lo que pretenden … incluso lo de … lástima que una tontada así dé argumentos a los que no saben nada, que se creen que aquello es verdad porque lo han visto en la tele, tan cierto como si fuera Palabra de Dios (te alabamos, Señor): sólo les hunde más en su agujero, confirmándoles en su ignorancia y en su cerrazón … es bastante exagerado.

Puede que sí, o puede que no, pero tampoco pienso discutir. Así que para que en selecciónARTE acabemos esta edición de ARCO con una sonrisa, hoy traigo un anuncio argentino de Coca Cola Light que muchos recordaréis y que en un momento refleja con gracia la actitud de muchos espectadores de a pie con enorme salud mental:



Y un aplauso también para los artistas y organizadores de ARCO 2012!

MÁS SOBRE ARCO 2012: OTRA FORMA DE VER LAS COSAS

Comentando el viernes pasado mi reciente visita a ARCO, un … señor (ya tiene edad para estar jubilado) me comentó –cuántas veces hemos oído este argumento- que el arte contemporáneo es una gigantesca tomadura de pelo, y que cualquiera puede pintar eso: él recordaba un vídeo en el que unos niños pintaban un cuadro, una tipa lo llevaba a ARCO, y la gente hablaba maravillas de él.

Yo también recordaba aquel vídeo: lo vi en su día, y me pareció una simpleza notable. En mi cabeza era la típica mamarrachada de periodismo facilón, pensado para llamar la atención de doñas y viejecitos, de todos aquellos que por formación, por falta de cultura y por estructura mental esclerótica jamás podrán entender nada que se haya hecho más allá del año 1900. No se lo dije al señor en cuestión –me parecía un argumento ad hominem demasiado elemental- pero me quedé con la cantinela y he rebuscado el vídeo hasta encontrarlo.

Me sigue pareciendo una simpleza, cierta burla al trabajo de muchos, y una manera de demostrar que a veces el periodismo –o al menos algunos periodistas- no se sabe bien lo que pretenden. Además, sospecho que toda la situación debe ser bastante falsa: no me creo que ese grupo de niños encantadores sean capaces de pintar, sin la ayuda de algún adulto, lo que la reportera acaba colgando en la Feria (la experiencia dice que el lienzo hubiera acabado marronusco, color gorrión: quien no se lo crea que haga la experiencia), y mucho menos que lo consiga colar de matute en el stand de una galería. Es una lástima que una tontada así dé argumentos a los que no saben nada, que se creen que aquello es verdad porque lo han visto en la tele, tan cierto como si fuera Palabra de Dios (Te alabamos, Señor): sólo les hunde más en su agujero, confirmándoles en su ignorancia y en su cerrazón.

Pero también he de reconocer que visto con humor, sin tomárselo tan a la tremenda, el asunto no deja de tener su gracia, y su moraleja: si de verdad los comentarios son auténticos –que, insisto: lo dudo- nos dan una pista de lo snob que puede llegar a ser el mundo del arte, de lo difícil que es valorarlo, de lo poco que sabe la gente (que sabemos: yo me apunto sin rubor al grupo de los ignorantes) … y de lo importante que es ser muy prudentes. Así que avisados quedamos todos: si en la próxima edición de ARCO se nos acerca una rubia con un micro, ojito, que nadie se pase de experto!

ARCO 2012

Por motivos varios llevaba dos años sin acercarme a ARCO –la última vez fue en 2009- y la verdad es que tenía ganas de volver. Aunque reconozco que me cuesta entender muchas de las obras expuestas, que algunas me resultan desconcertantes e incluso malas o muy malas (simplezas torpes que no hay por dónde agarrar), también pienso que pasear entre los stands de las galerías es muy interesante, y enriquecedor: por ahí van los tiros, y conviene saberlo (y verlo). Así que conseguí un par de invitaciones, y el jueves pasado a medio día me fui a IFEMA: pase algo más de tres horas recorriendo los pabellones 8 y 10.
Me pareció –seguro que es una opinión poco fundamentada: no soy experto- que había mucho de lo de siempre, y muy poco (por no decir nada) que me llamara especialmente la atención por novedoso o interesante, ni siquiera por transgresor o divertido ... Como pasa tantas veces, lo más llamativo, lo que todos hemos visto en la prensa (Franco congelado, la lámpara caída con los cuervos, la joven de la reja con la cabeza de su compañera en la mano …) no es ni mucho menos lo mejor que se puede ver en ARCO: es, sencillamente eso, llamativo. Todo lo dicho no quita que hubiera muchas obras que me gustaron: por supuesto que me hubiera llevado un puñado de cosas, y no precisamente de autores consagrados (de quienes también me habría llevado piezas, claro, pero ahí es más fácil acertar …). En contra de mi opinión, un profesional que me presentaron –trabaja en una firma importante de subastas- aseguró que había visto cosas de calidad, y también que era fácil encontrar gangas, obra a muy buen precio que con toda seguridad se iba a revalorizar. Le sugerí que nos enseñara algunas, pero no hubo suerte: estaba trabajando, dijo, y no tenía demasiado tiempo. Fue una lástima, porque uno se queda sin saber qué era lo bueno, si al pasar por delante había reparado en ello o le había parecido irrelevante, o si el comentario experto no era más que lugar común y darse aires.
Holanda ha sido el país invitado en 2012: a pesar del aprecio que tengo a los holandeses por mis estancias allí y lo interesante que resulta su arquitectura actual, he de reconocer que las galerías que representaban su ARteCOntemporáneo me parecieron sólo regular: pienso que no hay nada notable que reseñar.

Entre el público, no especialmente abundante, dos grupos fundamentales: unos más alternativos –artistas, supongo, y gente joven- y otros de aspecto mucho más formal y opulento: los compradores, intuyo.

No he tenido ocasión de leer en prensa ningún balance de esta edición –he estado fuera de Madrid los últimos días- y mi impresión es que la crisis se ha notado (poca obra y poca gente, pocas novedades), pero eso no le quita interés a la Feria, y por supuesto que procuraré no fallar el próximo año: que no se vuelva a romper el ritmo.

LA ORDEN DEL TOISÓN DE ORO Y SUS SOBERANOS + HISTORIAS SAGRADAS: DOS EXPOSICIONES en MADRID

Recientemente he visitado dos exposiciones: de una esperaba mucho y no encontré demasiado. De la otra no esperaba casi nada, y eso fue lo que encontré.
La primera es LA ORDEN DEL TOISÓN DE ORO Y SUS SOBERANOS, que se puede visitar hasta el 11 de marzo en la FUNDACIÓN CARLOS DE AMBERES. Me apetecía mucho: guardo un recuerdo magnífico de lo que vi en el TESORO DEL HOFBURG de VIENA sobre la Orden del Toisón, que me impactó enormemente, y esperaba algo similar. La realidad es otra: nos muestran (y a partir de aquí cito a la propia Fundación) Collares del rey de España y del Duque de Wellington, obras de maestros como Cranach, Velázquez, Rubens, Carreño de Miranda, Pantoja de la Cruz, Goya y la célebre pintora renacentista Sofonisba Anguissola, esculturas de Pompeo y Leone Leoni, tapices, códices, y armaduras de caballeros procedentes de las mejores armerías de Europa (la Imperial de Viena y la Real de Madrid)… La Fundación Carlos de Amberes presenta un recorrido artístico que descubre la historia y las tradiciones de la orden de caballería de mayor prestigio y exclusividad en la historia de Europa: la Orden del Toisón de Oro (Brujas, 1430), cuyo Jefe y Soberano es el Rey de España, en la actualidad S.M. el rey Juan Carlos I. Todo esto está, es verdad, pero sólo eso y en pequeñas dosis: nada que ver con Viena.


La segunda es HISTORIAS SAGRADAS, PINTURAS RELIGIOSAS DE ARTISTAS ESPAÑOLES EN ROMA (1852-1864) EN EL MUSEO DEL PRADO. Ya el título da una pista de lo específica que es: en la sala LX del Museo podemos ver (y a partir de aquí cito de nuevo, ahora al PRADO) cinco de los mejores lienzos, recientemente restaurados, de artistas como Madrazo, Rosales, Alejo Vera y Domingo Valdivieso que alcanzaron enorme fama en su tiempo y que encaminaron el rumbo de este género desde el refinado purismo tardorromántico de raíz nazarena hacia el nuevo realismo pictórico. La selección de obras expuestas presenta, tras un laborioso trabajo de restauración, un exquisito conjunto de lienzos que tuvieron gran importancia no sólo en su tiempo, sino a lo largo de la segunda mitad del siglo XIX y el primer tercio del siglo XX. Mediante su exhibición en las mejores condiciones, en continuidad con la primera sala de Pintura de Historia, se les devuelve una visibilidad perdida ya que son obras prácticamente desconocidas no sólo para el público sino incluso para muchos historiadores. Y uno se dice a si mismo que cuando son obras desconocidas hasta para los expertos, mala cosa ... Lo mejor, el recorrido que hice a continuación por todas las salas de la pintura del XIX, que cada vez me interesa más.

Podía no haber dicho nada en selecciónARTE de estas dos muestras, pero pienso que cualquier exposición mínimamente razonable -ya sea generalista o tremendamente específica- tiene al menos un poco de interés. Estas dos lo tienen (siempre se aprende, siempre), y si uno tiene ocasión vale la pena acercarse (a la CARLOS DE AMBERES un martes, que es gratis …). Pero que nadie se inquiete si no llega a verlas: que sean más o menos interesantes no quiere decir, ni muchísimo menos, que sean imprescindibles.

A MERCED DE LA TEMPESTAD, de ROBERTSON DAVIES

El Teatro Joven de Salterton, una compañía amateur, va a poner en marcha una representación de La tempestad de Shakespeare en los bellos jardines de St. Agnes, la vetusta y extravagante residencia de George Alexander Webster y sus hijas, Griselda y Freddy. Los preparativos de la obra revolucionan St. Agnes, para desesperación del abnegado jardinero Tom, pero también la vida de cuantos participan en ella. En especial la del taciturno profesor de matemáticas y tesorero de la compañía Hector Mackilwraith, que se propone variar su anodina vida presentándose al casting y que asombrosamente consigue hacerse con uno de los papeles. De ahí a sumarse a la larga lista de pretendientes de la joven Griselda y perder la cabeza, sólo hay un paso. Así resume A MERCED DE LA TEMPESTAD la contraportada del libro, y me parece que no hay mucho más que añadir a la historia: eso es precisamente lo que pasa y lo que el lector tiene entre sus manos.

A MERCED DE LA TEMPESTAD (TEMPEST-TOST, 1951) es la primera novela que publicó el canadiense ROBERTSON DAVIES (1913-1995), con la que inicia la TRILOGÍA DE SALTERTON (Salterton no es más que la ciudad imaginaria donde transcurre la acción). DAVIES escribe bien y, sobre todo, nos lo hace pasar bien: es ácido, afilado, socarrón, divertido en muchas ocasiones. El libro arranca con un primer capítulo que resulta de lo más prometedor, muy ingenioso; lástima que no consiga mantener el tono: los otros siete con correctos, entretenidos, brillantes en algún momento, pero mucho más convencionales. La representación de la obra de Shakespeare no es más que la excusa para reunir a un grupo de personajes singulares, y ver qué pasa cuando se relacionan unos con otros; también es una buena metáfora de la situación en la que, casi sin darse cuenta, se descubre Hector Mackilwraith, el protagonista: el amor trastoca los fundamentos de su vida (la planificación y el sentido común), sus sentimientos pasan por una tempestad notable, y el desdichado Hector acaba completamente a la deriva. A MERCED DE LA TEMPESTAD no me ha parecido un título imprescindible, ni mucho menos, pero es lo suficientemente prometedor como para dar otra oportunidad a ROBERTSON DAVIES: ya tengo en casa LEVADURA DE MALICIA, la segunda parte de la trilogía.

No hay muchas cosas serias que valga la pena citar de A MERCED DE LA TEMPESTAD, y las que hay siempre tienen un toque de humor que les quita seriedad; aquí dejo, en cualquier caso, un diálogo entre el matemático Hector Mackilwraith y el músico Humphrey Cobbler que me ha gustado: aunque fuera de contexto tiene menos gancho, la idea de la máquina vs el cubo resulta sugerente.

(Humphrey Cobbler) —Es usted afortunado, dispone de mucho espacio libre en la cabeza para cargas de esa clase.

(Hector Mackilwraith) —En general, ya es bastante difícil seguir la pista de lo que de verdad necesitamos saber.

— Vaya! Ya sé lo que es usted: un abogado del saber utilitario.

— Sin duda.

—Según usted, el primer deber del hombre es ganarse la vida y el objetivo principal de la educación es prepararlo para ese deber.

— Naturalmente.

—Bien, permita que me presente: yo soy abogado del saber ornamental. Usted quiere que la mente sea una máquina perfecta, preparada para trabajar eficientemente, si bien con estrechez de miras, y sin piezas sobrantes o inútiles. Yo prefiero que sea un cubo de basura lleno de retales brillantes, gemas raras, curiosidades sin valor, pero fascinantes, oropel, fragmentos curiosos de anhelo y una buena cantidad de porquería sana. Si la máquina se tambalea, se estropea; pero en el caso del cubo de basura, el contenido se adapta maravillosamente a la posición nueva.

— Soy matemático y, por tanto, no puedo estar de acuerdo en que el desorden sea preferible al orden.

— ¡Y un cuerno! ¿Sabe algo de álgebra lineal? ¿Y de ecuaciones diofánticas? ¿Sabría decirme en pocas palabras cuál es la aportación de Bertrand Russell a los conceptos matemáticos modernos? ¡Usted es tan matemático como músico un maestro de piano para principiantes!

—Sé lo que sé —dijo Hector— y con eso me basta para mis necesidades.

CABECERA DE ENERO DE 2012: EL SURREALISMO DE RENÉ MAGRITTE

Durante el mes de enero de 2012 la cabecera de selecciónARTE ha sido un detalle de GOLCONDE, del pintor belga RENÉ MAGRITTE. Óleo sobre lienzo pintado en 1953, mide 81 x 100 cm. y se conserva en la MENIL COLLECTION de HOUSTON, TEXAS.

Una posible clave de interpretación: ¿subimos, o bajamos?

EL TEATRO DE LA VIDA, de SIEGFRIED LENZ

Desde que leí la sensacional LECCIÓN DE ALEMÁN, hace ya bastantes años, SIEGFRIED LENZ me ha interesado mucho. Luego llegó CAMPO DE MANIOBRAS, también espectacular. Más tarde otras novelas y relatos (LA PRUEBA ACÚSTICA, EL USURPADOR, EL LEGADO DE ARNE …) que me impactaron menos, pero no me defraudaron. Así que cuando vi que la editorial MAEVA había publicado una nueva obra suya, no lo dudé: compré EL TEATRO DE LA VIDA (LANDESBÜHNE, 2009) y en cuanto terminé NUEVA YORK me puse con ella; es muy corta, así que me duró apenas unos días.

Desconcertante es la palabra que mejor la define (y perplejidad el estado en el que me dejó): quizá no haya entendido nada, pero me ha parecido una simpleza notable. La contraportada señala que Siegfried Lenz desafía los límites entre realidad y ficción en esta sorprendente novela, una maravillosa historia sobre el valor redentor de la creación artística. No he encontrado apenas nada de eso: tal vez un reflejo lejanísimo en la parte final, con la representación de Esperando a Godot y la consolidación de la amistad entre los dos protagonistas (de la novela, no de la obra de teatro). EL TEATRO DE LA VIDA me ha resultado surrealista y –si de verdad persigue lo que dice la contraportada- pretenciosa. Quizá SIEGFRIED LENZ intenta una pirueta relacionada con BECKETT y su teatro del absurdo que yo no he sabido entender, pero la impresión que he tenido es de estar leyendo a ARTO PAASILINNA: con eso lo digo todo!

Lo de relacionar a LENZ con PAASILINNA seguramente ha pasado porque –además de lo surrealista de las situaciones- en Navidad me han regalado una novedad del finlandés llamada EL AÑO DE LA LIEBRE. Después de EL MEJOR AMIGO DEL OSO hice el propósito de no dejarme engañar de nuevo por él, pero … lo reconozco: he estado a punto. Al terminar EL TEATRO DE LA VIDA comencé con EL AÑO DE LA LIEBRE, y llegué hasta la página 50. Aunque la camisa de la portada asegura que se trata de la obra maestra de PAASILINNA, a mi me pareció más de lo mismo: no es lo peor que he leído suyo, es verdad, pero tampoco lo mejor. Todo me sonó a sabido, y paré. Así que si alguien puede dar alguna pista sobre EL AÑO DE LA LIEBRE será muy de agradecer. Por ahora, dejo a ARTO PAASILINNA en cuarentena.