FELIZ 2016: ¡QUE LA FUERZA TE ACOMPAÑE!

LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS, de ISAO TAKAHATA

Trabaja conmigo un auténtico enamorado de HAYAO MIYAZAKI. A mi también me gusta: ya hemos hablado de MIYAZAKI en seleccciónARTE, y de algunas de sus películas: TOTORO y PONYO. 

Comentando hace unos días con él EL VIENTO SE LEVANTA, me recomendó vivamente LA TUMBA DE LAS LUCIÉRNAGAS (火垂るの墓, HOTARU NO HAKA). No es de MIYAZAKI, sino de ISAO TAKAHATA, otro maestro del ESTUDIO GHIBLI. 

Te va a asombrar, me aseguró.

La he visto este fin de semana, y decir asombro es quedarse corto: me ha impactado. No es una película perfecta, la animación no es genial, los dibujos no son magistrales, pero el conjunto es impresionante. Desconcertante. Inesperado. Demoledor. Genial…

GEORGE LUCAS IN LOVE

Acabo de terminar de repasar la saga completa de STAR WARS.

UNA NUEVA ESPERANZA, que es como titulan la primera película que se estrenó (en 1977: ¡lo que ha llovido desde entonces, madre mía!) y la cuarta en el orden de la saga, sigue siendo sensacional. EL IMPERIO CONTRAATACA y EL RETORNO DEL JEDI tienen el encanto de formar parte inseparable y necesaria de mi mundo adolescente. Las tres últimas películas (o las tres primeras, depende de cómo se mire), son muy vistosas y entretenidas, magníficamente realizadas (la carrera de vainas de LA AMENAZA FANTASMA, o las escenas iniciales de EL ATAQUE DE LOS CLONES y LA VENGANZA DE LOS SITH, son espectaculares), pero no resultan tan redondas como la primera, y tienen algunos elementos chirriantes: Jar Jar Binks es un personaje demasiado presente para ser tan poco afortunado, reducir la Fuerza a un componente de la sangre –los midiclorianos- es un bajón más que notable, y HAYDEN CHRISTENSEN no da la talla para componer al joven Anakin en condiciones. En cualquier caso, soy de los que defiendo a capa y espada -láser, por supuesto- la saga STAR WARS: insisto en que forma parte de mi imaginario porque crecí con ella, y me parece un icono de toda una época.

Pero lo que hoy quería traer a selecciónARTE es un corto que tiene su aquel. ¿Recordáis SHAKESPEARE IN LOVE, aquella película que muchos dicen que ganó los Oscar más inmerecidos de la historia del cine? Pues GEORGE LUCAS IN LOVE es a STAR WARS lo que SHAKESPEARE IN LOVE a ROMEO Y JULIETA: la verdadera historia de cómo se forjó el mito. Eso sí, el corto lo hace en clave de humor, y el largo en clave romántica. Un experimento divertido que los partidarios a la saga galáctica ya conoceréis, y que me ha hecho gracia recordar.

PONYO EN EL ACANTILADO, de HAYAO MIYAZAKI

No es fácil –ni seguramente posible- mantener siempre el nivel de obra maestra en todo lo que uno hace. Por eso no seré yo quien ahora, después de lo que dije al ver MI VECINO TOTORO, reniegue de MIYAZAKI. Pero, a la vez, reconozco que PONYO EN EL ACANTILADO me parece de menos calidad que TOTORO, y por supuesto mucho más floja que CHIHIRO.

PONYO EN EL ACANTILADO cuenta la amistad de Sosuki, un niño de cinco años, y Ponyo, una especie de pez con poderes realmente asombrosos que, cansada de vivir con su padre –un hechicero marino- se escapa de casa, conoce a Sosuki, y le entran unas ganas enormes de convertirse en humano, en una niña.

PONYO EN EL ACANTILADO tiene los elementos habituales de las películas del ESTUDIO GHIBLI, pero no están trabajados con la misma densidad que en otras ocasiones. Como siempre, el dibujo es sensacional (y muy “evidente”: en los fondos se ha buscado claramente que viéramos el trazo del lápiz de color, del pastel); los efectos gráficos son muy buenos (el agua o la luz en el agua); hay escenas de animación de primera (el mar persiguiendo el coche de Lisa y Sosuke mientras Ponyo corre sobre las olas); la imaginación resulta desbordante; algunos momentos son muy sugerentes (el cementerio de barcos me ha encantado, o el instante en que los dos niños, la mañana siguiente al tsunami, meten la cabeza en el agua); Ponyo y Sosuke están estupendamente caracterizados, en su mundo infantil todo es posible y no se asombran de nada; hay personaje malo que al final no es tan malo; hay máquinas ingeniosas (en esta ocasión submarinas en vez de voladoras); hay casa en posición elevada que permite vistas desde arriba; hay respeto por la naturaleza; hay “enjambre” de bichos que se mueven como una nube ... está todo lo que uno espera, lo que MIYAZAKI nos suele ofrecer. Eso sí, en dosis escasas, demasiado justas.

Aunque, en mi opinión, lo que falla en PONYO EN EL ACANTILADO por encima de todo es la historia, que además, en esta ocasión es mucho más infantil que la de cualquiera de las otras películas de MIYAZAKI que he visto (ojo, no digo que sea una cosa mala: simplemente constato un hecho). La relación entre los niños se entiende y está muy bien construida; la de Lisa y Koichi, los padres de Sosuke, más o menos (me llama la atención que Sosuke no les llame papá y mamá sino Lisa y Koichi: a lo mejor así se hace en Japón); pero la de los padres de Ponyo no está conseguida: es confusa, demasiado “ambiciosa”, y le falta desarrollo; se queda muy corta (nos faltan muchas piezas para encajar bien todo el rompecabezas) o demasiado larga (por excesivamente pretenciosa). Una lástima porque, en conjunto, PONYO EN EL ACANTILADO no resulta una obra redonda.



(He dejado el trailer en inglés no por esnobismo, sino porque es mejor –más completo- que el que he visto en castellano)

Tenía muchas ganas de ver PONYO EN EL ACANTILADO. La he visto, y no me arrepiento: no es genial, pero la evolución de cualquier artista tiene sus momentos, y la única forma de comprenderla –y comprenderle- es seguir su obra paso a paso.

VACACIONES EN ROMA, de WILLIAM WYLER

Si tuviera 25 años más de los que tengo, me permitiría decir que ya no se hacen películas como las de antes. Como no los tengo, no lo digo, porque se hacen muchas películas tan buenas o mejores que las de antes. Pero cualquiera recocerá conmigo que a lo largo de la historia se han hecho un puñado de películas ... especiales.

VACACIONES EN ROMA es, sin duda, una de esas cintas. Con ojos de ahora alguno la podrá juzgar simple, ñoña incluso. Pero a mi me parece que es una delicia. Sencilla, es verdad, pero deliciosa.

La historia de la princesa envuelta en los rigores –y los algodones- de la corte, que quiere -al menos por un día- ser normal, en un clásico que funciona estupendamente. Los protagonistas son dos actorazos: para AUDREY HEPBURN era su primer papel protagonista, y se llevó merecidamente el Oscar a la mejor actriz de 1953; GREGORY PECK ya estaba consagrado, y hace otro papelón. Y la ciudad de ROMA -recorrida en vespa- como tercera protagonista, siempre resulta vistosa.

Han pasado muchos años desde que vi por primera vez VACACIONES EN ROMA, y ahora la he vuelto a ver y he vuelto a disfrutar. Todas las escenas me iban viniendo a la cabeza, quizá de manera especial la de la Bocca della Veritá (tan simple y a la vez tan hito en la historia del cine) y ese final tan formal y tan sentido y tan correcto. No me acordaba, en cambio, de una tontada que me ha llamado la atención: el saludo de CORTÉS CABANILLAS –sí, el auténtico- a la princesa Ann, como corresponsal del ABC en la recepción final a la prensa. No sé si el resto de los periodstas también son los auténticos corresponsales de la prensa extranjera acreditados en Roma: hay que reconocer que tendría toda la gracia.

Si hablo hoy en selecciónARTE de esta película es, por supuesto, porque es buenísima. Pero, no os engañaré, también porque por fin llegan las VACACIONES. Así que si no hay un cataclismo –todo podría pasar, que este año está muy muy rarito- en dos o tres días salgo de Madrid para volver a final de mes. Aunque nunca se sabe, supongo que selecciónARTE estará parado hasta entonces ...

MI VECINO TOTORO, de HAYAO MIYAZAKI

No suelo dedicar entradas a películas ni al cine. Y que no lo haga no quiere decir que no me interese, que no vea cine, o que no lo considere un arte: me interesa, lo veo, y creo que muchas veces se consiguen auténticas obras de arte. Sin ir más lejos hoy cuelgo esta entrada porque he descubierto un artista, o mejor, porque me he rendido a un artista del que, en algún momento, he manifestado dudas. Me refiero a HAYAO MIYAZAKI.

Hace ya tiempo, comenté en selecciónARTE mi opinión sobre este japonés después de ver dos de sus películas: EL CASTILLO AMBULANTE y EL CASTILLO EN EL CIELO. Descubrí muchas cosas buenas y alguna no tan buena, y acababa entonces mi comentario diciendo que tendría que ver más cosas suyas para formarme una opinión. Lo hice. Vi LA PRINCESA MONONOKE y vi EL VIAJE DE CHIHIRO. MONONOKE no me entusiasmó, aunque tenía algunas cosas realmente conseguidas: los pequeños espíritus del bosque, por ejemplo, que uno necesariamente reconoce –como muchas otras cosas- en AVATAR (película en la que, en mi opinión, CAMERON ha mirado, por lo menos un poco, hacia MIYAZAKI). EL VIAJE DE CHIHIRO, en cambio, me gustó muchísimo, me pareció logradísima, una joya, digna merecedora del Oscar que consiguió en 2002 a la mejor película de animación. Pero volvía a encontrarme en un punto neutro respecto a MIYAZAKI: a veces le salen las cosas más que redondas, pero otras veces ...

Hace unos días, casi por casualidad, vi MI VECINO TOTORO. Y no me queda más remedio que reconocer que estamos ante un mago del cine. Y no digo sólo cine de animación. Digo cine porque es magistral cómo trabaja este hombre las historias y los personajes, no sólo los dibujos, que también. MI VECINO TOTORO se trata de una película infantil, pero eso no significa sólo para niños: es, me parece, cine del bueno. En TOTORO, Satsuki y Mei, las dos hermanas protagonistas, son geniales; Mei es una auténtica niña de cuatro o cinco años, de verdad, de carne y hueso como pocas; los secundarios son de premio; la fantasía y la poesía están constantemente presentes, igual que la ternura; la definición de Totoro y sus dos “pequeños totoros” es magistral, conseguida con una sencillez que no te lo crees; la relación de las personas con la naturaleza está planteada desde un respeto razonable y no desde la sobrevaloración simplona tan de moda; la historia, llena de fantasía, está controlada y no se le escapa; el dibujo es muy bueno, más sobrio y menos pasteloso –me ha parecido- que en otras películas suyas. Además, es Japón en estado puro, lo que ahora valoro mucho más que antes (quizá lo único que he visto poco japonés es el aspecto exterior –el interior está conseguidísimo- de la casa de la familia protagonista). Y las referencias a ALICIA EN EL PAÍS DE LAS MARAVILLAS, innegables: el gato-bus, o la caída por el agujero para llegar a la guarida de Totoro.

En fin, que me ha encantado. Además, me han dicho que PONYO EN EL ACANTILADO es todavía mejor (espero verla pronto) y acaban de estrenar NAUSICAÄ.

RODCHENKO Y POPOVA, DEFINIENDO EL CONSTRUCTIVISMO RUSO, en el MNCARS

El CONTRUCTIVISMO RUSO es un movimiento artístico global, que abarca casi todo: pintura, escultura, arquitectura, diseño gráfico y textil, cine y fotografía, teatro ... sólo se le escapa, que yo sepa, la música: nunca he oído hablar de música constructivista, pero puede que también haya. Surge en la Unión Soviética inmediatamente después de la revolución de 1917. Se trata de un movimiento que expresa de forma directa la ideología marxista, y está directamente relacionado con el comunismo revolucionario: el CONSTRUCTIVISMO RUSO pretende de manera inmediata llevar el arte al pueblo, busca socializar el arte colocándolo en el centro de la vida del proletariado, y muchas veces es el vehículo que utiliza el aparato político para manejar/comunicarse/manipular a las masas. Se pretende una ruptura definitiva con todo lo anterior. Se busca sencillez y limpieza (figuras geométricas simples, colores primarios ...) que reflejen la nueva forma de ver el mundo. Se busca una eficacia que se manifiesta en una relación estrecha entre la ingeniería y el arte. En definitiva, se busca una forma de expresión nueva que sea reflejo de un nuevo orden social. Y así, el arte se manifiesta como un producto, fruto de la máquina y de un modo nuevo de producción, que consigue –dicen- el arte para el proletariado. Александр Михайлович Родченко y Любовь Сергеевна Попова son dos de los artistas claves en la formación y desarrollo de esta nueva forma de entender el arte.

De todo lo dicho cabe suponer que una exposición sobre CONSTRUCTIVISMO RUSO va a tener el interés de lo experimental, nos va a dar la posibilidad de asistir a la evolución de un estilo, nos va a mostrar el empeño diferenciador y la búsqueda de lo novedoso, de la ruptura con todo ... y seguramente vamos a ver obras-manifiesto pero no vamos a ver grandísimas obras; esto es lo que yo he encontrado en el MNCARS. Tenía muchas ganas de ver esta exposición, y no me ha defraudado nada. RODCHENKO Y POPOVA, DEFINIENDO EL CONSTRUCTIVISMO RUSO nos presenta un recorrido amplísimo por la obra de estos artistas, desde sus pinturas hasta el cine pasando por la escultura, el diseño de carteles o las propuestas textiles y de vestuario. No hay nada, ninguna obra, que me haya arrebatado, pero todo –desde el principio hasta el final- me ha interesado, y mucho. No hay nada de una calidad excepcional, pero todo encierra un alto grado de creatividad y de investigación.

No he resistido la tentación de comparar lo que iba viendo en la expo con lo que se estaba haciendo en Europa en esas misma fechas (más o menos las mismas fechas ...), y encuentro cierto paralelismo entre el CONSTRUCTIVISMO y otros movimientos que le son contemporáneos: esa ruptura también se da aquí, y pienso en la BAUHAUS, por ejemplo, que me parece que tiene mucho que ver con lo que pasa en Rusia. Quizá la diferencia esté en la intención.

RODCHENKO Y POPOVA, DEFINIENDO EL CONSTRUCTIVISMO RUSO resulta una exposición muy interesante, que se complementa estupendamente con la que se puede ver también ahora en la FUNDACIÓN CANAL, RODCHENKO FOTÓGRAFO: REVOLUCIÓN EN LA MIRADA.

(Una tontada que me ha llamado la atención: creo que es la primera vez que en las salas del MNCARS veo a mucha gente haciendo fotos -sin flash, of course- y sin que nadie les diga ni una palabra.)

LA NIEBLA, de FRANK DARABONT

Alquilé LA NIEBLA con la casi seguridad que encontraría “otra película de bichos que dan sustos”, de regular calidad. No esperaba más que eso, y desde luego ni se me ocurrió pensar que aparecería en selecciónARTE: era otra película, como las mil que uno ve en el cine o alquila en el vídeo club, entretenidas, buenas a veces, incluso muy buenas, pero que no dan de sí como para sacarles punta.

La película cuenta como en un pueblecito de los Estados Unidos, después de una tremenda tormenta, una espesa niebla lo envuelve todo. Un montón de vecinos se encuentran en el supermercado, cuando un hombre entra corriendo y sangrando mientras grita que en la niebla hay algo que mata. Todos se encierran allí, y comienza la angustia. Este arranque de LA NIEBLA cumple absolutamente las expectativas. Bichos de espanto y sustos a golpe de subida de volumen de la banda sonora.

Pero a medida que LA NIEBLA avanza resulta que, además de los bichos y los sustos (que realmente no son para tanto), y la consabida ventana hacia no se sabe ya qué nueva dimensión que ha dejado entrar el mal en estado casi puro, se van planteando con cierta solvencia las reacciones del ser humano encerrado y en peligro: desde el incrédulo hasta la apocalíptica, pasando por el generoso, el egoísta, la sensata, la práctica ... Los personajes se van definiendo y de una película tontorrona se pasa a una película con cierto aquel.

Pero esto, teniendo cierto valor, no es lo que llama la atención de LA NIEBLA (que nadie piense que estamos ante un profundísimo análisis del comportamiento humano, porque no lo estamos: es una novela de STEPHEN KING ...). Lo que llama la atención es que, con esos ingredientes, uno cree que sigue viendo una película made in Hollywood, donde parece que todo funciona como debería, pero en realidad hay una sorpresa enorme esperando al final.

Continua la acción y se definen definitivamente dos bandos. Por un lado, el héroe, la chica que en seguida conecta con él, el hijo del héroe que enternece la situación y une poco a poco al héroe con la chica, la anciana encantadora, divertida y práctica que se une al héroe junto con otros personajes amables, listos y razonables: vamos, los buenos. Y en el otro bando, los malos: la loca (muy bien interpretada, por cierto) que ve en la niebla la mano de Dios ofendido por el hombre al que castiga por sus pecados, y acude a la religión como fórmula (la película parece decirnos que equivocada) para resolver la situación, y los personajes simplones que poco a poco van sumándose a su irracional visión de la situación.

Cuando el enfrentamiento entre ellos se hace inevitable, “los buenos” deciden escapar. Alguno muere en el camino, como corresponde a cualquier guión de este estilo, pero los cinco magníficos (héroe, chica, niño, anciana y hombre bueno) escapan del supermercado, se suben en el todoterreno del héroe y se adentran en la niebla, sin saber muy bien hacia donde van, pero suponiendo que hacia la libertad. El espectador avezado se dice: ¡ya está!, han escapado, y un golpe de guión va a resolver la película con el happy end correspondiente.

Pero de eso nada; nada de nada. Esto es lo que más llama la atención de la película: el final es desastroso, el peor de los finales posibles. Y es entonces cuando uno dice ¿qué he visto? ¿los responsables de la cinta de verdad se han atrevido a dejarnos a todos así de machacados? Pues sí, se han atrevido. Y que cada uno lo digiera como pueda.

Me vino a la cabeza LA CARRETERA, de McCARTHY (supongo que por lo apocalíptico, el padre, el hijo, e incluso el carrito de supermercado que aparece en la carátula del vídeo), y pensé que quizá LA NIEBLA tiene el final valiente que no tiene LA CARRETERA. Una lástima que no hayan sido un poco más sutiles con los bichos, sacándole partido al misterio que entraña niebla: muchas veces es más eficaz no enseñar que enseñar una simpleza.

Al releer lo que acabo de escribir creo que me ha quedado demasiado largo y puede dar a esta entrada mucha más importancia que la que tiene: no pretendía más que decir que LA NIEBLA no me ha parecido “otra película de bicho que dan sustos”, y que alguno que no la haya visto puede interesarle. La publico tal cual, y que cada quien valore (de los comentarios que hecho con amigos y conocidos, pocos coinciden conmigo: a la mayoría les parece que no se puede hacer una película que acabe así ...).

CINE ESPAÑOL, UNA CRÓNICA VISUAL, en el INSTITUTO CERVANTES de MADRID

Me acerqué a ver la exposición que ha organizado el INSTITUTO CERVANTES sobre CINE ESPAÑOL: de primeras, el tema es verdaderamente atractivo. Pero, como siempre, el interés de la muestra no sólo depende del tema sino de cómo se haya organizado.

La exposición se plantea en tres bloques, asociados a distintas épocas de la historia de nuestro cine, que se exponen en tres espacios distintos. En cada una de esas secciones, hay fotogramas impresos como si fueran fotografías, algunas citas, y una colección de secuencias que pretenden resumir el cine de cada época. Además, un gran panel con los carteles de películas, y algunas figuras más grandes, siluetas planas de actores a tamaño natural o casi, repartidas al azar como los postes de Telefónica por la geografía española …

El resultado es discreto: los fotogramas están impresos en formato relativamente pequeño, y aunque hay una buena cantidad tampoco son abundantísimos; las secuencias de la primera y tercera sección se ven en pantalla pequeña y sin sitio donde sentarse; las de segunda sección están proyectadas en pantalla grande y con sillas, pero no se oye apenas; el lugar, interesante desde el punto de vista arquitectónico pero flojísimo como espacio expositivo; y así todo.

En cuanto al tema, el CINE ESPAÑOL tal y como lo muestra la exposición parece que tuvo su edad de oro y a venido claramente a menos. Yo creo que algo de eso hay, pero también pienso que el comisario de la muestra del INSTITUTO CERVANTES no hace del todo justicia a nuestro cine de hoy.

El programa señala que la exposición recorrerá España cuando termine en Madrid: una buena ocasión para los que les divierte el asunto, aunque ya aviso que no deben esperar mucho.

EL SABOR DE LAS CEREZAS, de ABBAS KIAROSTAMI

He visto EL SABOR DE LAS CEREZAS. Recordaba el título, y que en su día, cuando fue premiada en CANNES (1997), me quedé con ganas de verla. Me ofrecieron una copia, y me lancé.

Menudo bloque de película, qué desilusión. Quizá no la vi en mi mejor momento, pero me aburrió soberanamente y no me interesó lo más mínimo. Durante las primeras imágenes sigues con atención lo poco que pasa, pero cuando las situaciones se empieza a repetir durante minutos y minutos, te vas desanimado. La ambigüedad que consigue el director mientras el protagonista se dedica a la búsqueda de un hombre (no sabes para qué lo quiere, pero supones que para nada bueno) resulta rarita; los planos constantemente marrones-terrosos de la cantera, feos; las situaciones, forzadas. Aguantas hasta el final esperando un golpe maestro, algo que justifique la PALMA DE ORO, pero nunca llega; es más, lo que llega no tiene interés ni sentido. Y el mensaje que transmite, el que se asocia al sabor de las cerezas, una simplonada. Pienso que hay discursos cinematográficos sobre el suicidio mucho más sólidos y mejor contados; y, además, entretenidos: ¿por qué parece que el cine con ideas tiene que ser cine aburrido?

Al devolver el disco y comentar mi opinión, recibí todo tipo de arremetidas furibundas: “te falta sensibilidad, no la has sabido entender...” Puede que me pase todo eso, porque las críticas que he leído ponen la película por las nubes. De todas maneras, siempre pienso que cuando hay que acudir a ataques personales para justificar algo, el asunto es sospechoso. Esperemos, en cualquier caso, que no todo el cine iraní sea como esta película.

HAYAO MIYAZAKI

No había visto ninguna película de MIYAZAKI, a pesar de lo mucho que había oído hablar de él: como los comentarios eran tan dispares -unos rendidos a su favor y otros absolutamente en contra- no había puesto ningún empeño. Recientemente he tenido ocasión de ver dos, una casi por casualidad, y la otra ya buscada con toda intención: EL CASTILLO AMBULANTE y EL CASTILLO EN EL CIELO (desafortunadamente el título original es LAPUTA, que en castellano suena requetemal). Las dos cuentan historias similares, pero supongo que en otros títulos variarán los argumentos.

Por ahora no pasaré a ser un devoto del creador japonés, pero reconozco que tiene elementos que le hacen muy interesante: los personajes están francamente bien caracterizados (los buenos y amables son entrañables, y los malos que acaban siendo buenos también tiene su aquel); algunos paisajes y ambientes son increíbles, muy bien concebidos y dibujados (las vistas desde el cielo, siempre muy buenas); las máquinas y los ingenios voladores son geniales; la imaginación con la que se desarrollan los temas es desbordante (me ha fascinado la puerta que se abre en cuatro lugares completamente distintos con solo girar una rueda). Por otro lado, encuentro que en ocasiones los dibujos y los colores resultan cursis (tanto tono pastel es peligroso), y que las historias resultan confusas y largas ... Seguramente tendré que ver más para formar una opinión, pero en cualquier caso se trata de un grato descubrimiento.

SWEENEY TODD, de TIM BURTON

Casi de rebote me llegó una copia de SWEENEY TOD, que no había visto. Como TIM BURTON me parece un genio, no deje pasar la ocasión: la película me gustó mucho.

Es verdad que no es redonda, es verdad que como musical se queda un poco a medias, y es verdad que la trama (un cuento que parecía una historia real, que pasa a musical de la mano de SONDHEIM en 1979, y que BURTON adapta al cine) es un poco rocambolesca, no apta para cualquier estómago, un poco gore (sólo un poco, porque siempre hay una teatralidad buscada que le quita realismo desagradable).

Pero también es verdad que la estética es fascinante, muy gótica; que algunos personajes son muy buenos, especialmente el de JOHNNY DEEP, que lo borda, y el que interpreta HELENA BONHAM CARTER, que también lo hace de miedo; y que tiene unos toques de humor muy propios de TIM BURTON que no tienen precio: la aparición del barbero ADOLFO PIRELLI es magistral.

No se si es de lo mejorcísimo de TIM BURTON (hace poco repasé THE BIG FISH, que sí me pareció de primera), pero desde luego es una estupenda película.

MUERTE DE UN CICLISTA, de J.A. BARDEM

No estoy comentado cine en seleccióARTE: la verdad que no veo muchísimo, y lo que veo es entretenido, bueno a veces, pero no encaja con lo que pretendo hacer en este blog (ya dije en su día que no trato de reseñar estrenos: ya hay muy buenos blogs en la red que lo hacen). Pero eso no quita que de vez en cuando sí me interese hablar de alguna película. A punto estuve de decir dos palabras sobre la increíble recreación de Nueva York en SOY LEYENDA, de WILL SMITH: las primeras escenas me impresionaron mucho, casi tanto como me defraudaron las últimas ... y ahí se quedaron –en el tintero- los comentarios sobre unas imágenes de la ciudad abandonada que, la verdad, son magníficas.

Ahora acabo de ver MUERTE DE UN CICLISTA, y creo que sí vale la pena que deje constancia en selecciónARTE. Es claramente una película de su época, 1955; el aire y la forma de hacer cine, sin duda la de HITCHCOCK: el ritmo de entonces, la música de entonces, el montaje de entonces, el blanco y negro de entonces. Pero las pasiones humanas siguen siendo las mismas hoy que entonces, y me parece que BARDEM acierta a reflejarlas con precisión. No es una película ambiciosa, de amplios escenarios y acción grandilocuente. Para nada. Es una película donde la generosidad algo ingenua (la de Juan) y la bondad (la de la madre de Juan, la de Matilde) se enfrentan al egoísmo en estado puro (el de María José), a la envidia (la de Rafael Sandoval) y a la simpleza (la de la buena sociedad que representa la hermana de Juan), como en la vida misma. Esa lucha –la eterna, la de siempre, la de los clásicos- si está hecha con habilidad siempre tiene interés; y en este caso lo está.

La escena de Juan y María José en el hotel tiene un encuadre sensacional; la de la venganza de Rafael delatando a los amantes en la fiesta flamenca está llena de una tensión lograda; los diálogos entre María José y Rafa, rápidos y plagados de sobreentendidos, son magistrales. Los primeros planos, muy expresivos. La actuación de Lucía Bosé, conseguidísima.

Pero sobre todo quería hacer una referencia al tan manido carácter anti-régimen de la película, que muchos reivindican en clave de ricos-malos/pobres-buenos: clase alta completamente insensible a lo que pase en su entorno y dispuesta a todo con tal de no perder sus prebendas, su dinero y su poder; sociedad nepótica donde un buen cuñado puede conseguir cualquier cosa; y juventud rebelde dispuesta a cambiar el sistema.
Bueno, cada uno es muy libre de interpretar las cosas como quiera, a través de su canuto particular... yo prefiero no hacerlo de manera tan elemental. Algo de lo que se ha dicho hay, sin duda (y los censores debieron ver en su momento para calificarla de gravemente peligrosa), sería tramposo negarlo. Pero igual que las pasiones que muestra la película están presentes en todas las sociedades y ambientes, la realidad social que refleja no es, ni mucho menos, particular del franquismo, hasta el punto que la película funcionaría igual en una época distinta: desde la corte de Luis XIV a la CUBA de CASTRO pasando por las mafias rusas o las pasarelas de las top-model, o uno tiene unas firmísimas convicciones morales y el empeño decidido de hacer el bien a costa de cualquier cosa, también de lo personal (lo que no suele pasar en la mafias, ciertamente), o el intento de mantenerse arriba caiga quien caiga forma parte de las reglas del juego, con o sin dictadura: la condición humana, ya se sabe.

LEONES POR CORDEROS, DE ROBERT REDFORD

Lo primero, un aviso a navegantes: esto no es un blog de cine, aunque también se hable de cine. No pretendo contar las películas que voy viendo, los estrenos: para eso ya hay muchos blogs, algunos muy buenos. Prefiero señalar de vez en cuando películas sobre las que hay algo que decir, aunque estén retiradas de las carteleras. Creo que es el caso de LEONES POR PORDEROS, que acabo de repasar (la primera vez que veo una película la disfruto –o no, claro. La siguiente, si me interesa, la analizo).

El posicionamiento político de ROBERT REDFORD es conocido, y en la cinta queda patente. Pero el interés no me parece que esté ahí (son sus opiniones, en principio tan respetables como las de quien piense justo lo contrario), sino en la posibilidad del cine de hacernos pensar, de plantear debate sobre temas de claro interés y con muchos puntos de vista. Ahí sí que la película dice cosas, y nos lleva a dar vueltas (eso sí, quizá más a los compatriotas de REDFORD que a los demás). A mi sobre todo me dice que las cosas no son blancas o negras ...

La película es intensa y está bien trabada: tres historias que discurren en paralelo y otra en flash-back. Todas relacionadas: un senador que trata de manipular a una periodista que tuvo ideales (y alguno parece que le queda, aunque el sueldo a fin de mes siempre es el sueldo a fin de mes) para que siga apoyando la guerra; dos jóvenes inteligentes –un negro y un mejicano- que pretenden comprometer a la sociedad en su constante construcción (el flash-back), y entienden que para eso deben participar en los momentos constitutivos del futuro (en el momento que se desarrolla la acción, la guerra de BUSH contra el terrorismo); un universitario listo y capaz, desencantado del mundo que le rodea y a punto de dejarse llevar por la apatía y la facilonería de una vida cómoda, nada comprometida, a quien su profesor –el mismo que apostó por el negro y el mejicano- intenta hacer reaccionar. Quizá esta trama sea la más floja, por obvia. La primera, la entrevista entre TOM CRUISE y MERYL STREEP, notablemente mejor. La intermedia, necesaria para apoyar el discurso.

Los actores, muy bien, como es de esperar: CRUISE quizá especialmente bien. Y sorprendente el alumno pasota de REDFORD, que transmite plenamente esa situación de tanto joven USA que sólo tiene cabeza para conseguir el sueño americano.